Journée d’études « Miniatures et expansions du labyrinthe », 17 février 2012. Programme

labyrinthe

Miniatures & expansions du Labyrinthe

dans la littérature et les arts

Vendredi 17 février 2012

Grand Salon

Journée d’études, co-organisée par

Pauline Carvalho (CRIT)

Pauline Chevalier (CIMArtS)

Julia Peslier (Centre Jacques Petit)

Université de Franche-Comté

Faculté des lettres

30-32 rue Mégevand

25030 Besançon

Presentation

Qu’elle en soit le détail ou le monument, l’architecture du labyrinthe vient inquiéter la fiction littéraire, cinématographique et chorégraphique de bien des manières, selon des esthétiques contrastées et souvent cruelles de la virtualité, de la virtuosité et du principe de réalité. Décliné comme motif, comme dispositif ou comme thème, le labyrinthe œuvre malicieusement à saper notre perception d’un monde stable et unidimensionnel par illusions d’optiques, changements d’échelle, enchâssements herméneutiques, poétiques à tiroirs et autres raffinements psychologiques.

Cette journée interdisciplinaire se propose d’étudier quelques-uns de ces labyrinthes de la modernité, entendue au sens large, en se focalisant notamment sur cette mise en échelle des motifs labyrinthiques, où l’infiniment petit prend insidieusement la dimension du tout et où le tout du labyrinthe agit minutieusement sur chaque entité de la fiction, selon une dangereuse plasticité. Miniature ou en expansion continue, le labyrinthe est cet espèce d’espace où l’épreuve du lecteur et du spectateur se diversifie à chaque nouvelle bifurcation, page après page, plan après plan, pas après pas, nommant d’une époque et d’une société, les questions, les procès, les lieux inhabitables, les structures d’enfermement, les jeux d’intellection, les marges où la pensée et les sens font l’expérience du trouble.

Cette journée d’études s’inscrit dans la réflexion sur les Variations d’échelle, engagée dans la transversale d’ELLIADD (EA 4661) entre les différentes équipes.

Programme

Matinée

9h-9h15. Prélude à trois voix. Pauline Carvalho, Pauline Chevalier, Julia Peslier.

9h15-9h45. Entrée 1.

Julia Peslier. « Les Cinq sens et le labyrinthe ». L’écriture sensible.

9h45-10h30.

Pierre Jamet. « Labyrinthes shakespeariens ».

Pauline Carvalho. « Shining ou le labyrinthe de l’horreur. Une étude du film de S. Kubrick ».

10h30-10h45. Café au cœur du labyrinthe.

10h45-11h30.

Cyril Piroux. « René Crevel ou les détours d’un Icare entravé ».

Sara Di Santo Prada. «  Voyage au centre du labyrinthe infernal. Les détours labyrinthiques chez Buzzati et Louis-Combet ».

11h30-12h30. Cercle labyrinthique.

Table ronde 1. Avec la participation de :

Jean-Michel Caluwé (littérature médiévale)

Bruno Curatolo (sur Raymond Guérin)

Bertrand Degott (sur un sonnet de Guillevic)

Pascal Lécroart (sur Paul Claudel)

Julia Peslier (modératrice)

12h30-14h00. Fausse sortie, vrai repas.

Après-midi

14h00-14h30. Entrée 2.

Pauline Chevalier. « Portrait de l’artiste en Dédale: façonner le labyrinthe entre sculpture et littérature ».

14h30-15h45.

Hajer Elarem. « The labyrinthine Quest for Identity in Doris Lessing’s Children of Violence ».

Yvon Houssais. « Figures du labyrinthe dans le conte traditionnel ».

Intermède autour de Maya Deren, Meshes of the Afternoon.

15h45-16h Dernière station avant la sortie : café.

16h-16h30. Gilles Picouet, Pauline Carvalho. « Dédale, une œuvre expérimentale, par Gilles Picouet »,

suivi d’un entretien avec le public.

16h30-17h30. Derniers détours.

Table-ronde 2. Avec la participation de :

Sophie Bernard (Louis Miquel au musée)

Pauline Chevalier (modératrice)

Laurence Dahan Gaida (écritures labyrinthiques)

Aurore Després (Bagouet, danse et labyrinthe)

Richard Parisot (littérature allemande

17h30. Clôture et sortie du labyrinthe.

Participants

Sophie Bernard est conservatrice au musée des Beaux Arts de Besançon depuis 2007 où elle a notamment travaillé sur les catalogues et expositions Stern et Fourier. Elle a participé au volume Dada (dir. L. Le Bon, 2005) pour le Centre Pompidou.

Jean-Michel Caluwé est maître de conférences en littérature française. Il est notamment l’auteur de l’ouvrage Poésie et description, paru aux PU de Franche-Comté en 1999.

Pauline Carvalho est doctorante en littérature comparée. Elle réalise une thèse sur « La littérature féminine migrante en contexte postcolonial » dirigée par L. Dahan Gaida.

Pauline Chevalier est maître de conférences en esthétique et histoire des arts. Ses recherches portent  notamment sur la scène artistique américaine des années 1960 et 1970, et sur les croisements entre danse et arts plastiques.

Bruno Curatolo est professeur de littérature française. Il a notamment publié Raymond Guérin. Une écriture de la dérision et Paul Gadenne. L’Écriture et les signes et a dirigé de nombreux colloques sur la vie des revues et les écrivains de la modernité.

Laurence Dahan Gaida est professeur de littérature comparée et travaille sur l’épistémocritique, sur les rapports entre littérature, savoir et mémoire. Elle a notamment publié Musil. Savoir et fiction et Le Savoir et le secret. Poétique de la science chez Botho Strauss.

Bertrand Degott est maître de conférences en littérature française, spécialiste de poésie et du sonnet. Il a mis en vers les Sonnets de Shakespeare, a codirigé Écritures de soi avec M. Miguet-Ollagnier. Il est également poète (Battant, À chaque pas).

Aurore Després est maître de conférences en Esthétique de la Danse. Ses recherches portent sur le travail des sensations et la soma-esthétique dans le champ de la danse postmoderne.

Sara Di Santo Prada termine sa thèse portant sur « Dino Buzzati et Claude Louis-Combet : entre la chair et l’âme » (dir. B. Curatolo). Elle a publié notamment Il coraggio della bontà.

Hajer Elarem est doctorante en littérature anglophone et prépare sa thèse sur « La conscience de soi et les jeux du féminin dans l’œuvre romanesque de Doris Lessing » dirigée par Michèle Bonnet.

Yvon Houssais est maître de conférences en littérature française des XIXe et XXe siècles. Il est notamment le co-auteur de l’ouvrage Grands textes du Moyen âge à l’usage des petits aux PU de Franche-Comté en 2010.

Pierre Jamet est maître de conférences habilité, il a publié notamment Shakespeare et Nietzsche : la volonté de joie (Paris, Publibook Université, 2008). Se découvre de plus en plus comparatiste (littérature, philosophie) et étudie à présent le romancier américain Thomas Clayton Wolfe.

Pascal Lécroart est maître de conférences habilité, spécialiste de Claudel. Son habilitation a porté sur Paul Claudel ou l’invention d’une langue de théâtre : le vers libre claudélien. Il étudie notamment les relations entre littérature et musique, au XXe siècle.

Patrick Marcolini est conservateur pour les bibliothèques et docteur ès philosophie, auteur d’une thèse sur le mouvement situationniste.

Richard Parisot est maître de conférences en littérature germanique. Il a publié de nombreux articles sur la littérature allemande (Büchner, Brecht, Lichtenberg) et sur les récits de voyages germanophones en la Suisse.

Julia Peslier est maître de conférences en littérature comparée. Ses travaux porteant sur la cartographie faustienne de la pensée, sur le théâtre et sur les esthétiques de la couleur en littérature et arts.

Gilles Picouet est plasticien et a notamment conçu « Dédale », installation labyrinthique exposée dans la cour du palais Granvelle, au musée du Temps à l’automne 2010. Il enseigne à l’Institut régional des Beaux Arts de Besançon.

Cyril Piroux est docteur ès lettres, auteur d’une thèse sur le personnage moins banal qu’il n’y paraît de l’employé de bureau et ses formes romanesques au XXe siècle, dirigée par B. Curatolo.

C. Douxami (dir.), Théâtres politiques (en) mouvement(s),Cahiers de la MSHE, Ledoux, n°16

 

Christine Douxami (dir.), Théâtres politiques (en) mouvement(s),Cahiers de la MSHE, Ledoux, n°16 (série Normes, Pratiques, Savoirs, n°6), 2011. Avec un DVD comprenant six performances de théâtre politique contemporain avec : E. Borgo, A. Daoud, Z. De Deus, S. Nail, D. Prizulike, J.-M. Potiron et O. Sankara.

Cet ouvrage s’attache aux différents concepts et réalités liés au théâtre politique hier et aujourd’hui dans le monde et cherche à montrer l’aspect non dogmatique d’un théâtre ouvert aux problématiques artistiques et anthropologiques contemporaines. Dénommé « théâtre militant », « théâtre ethnique », « théâtre populaire », la richesse du théâtre politique vient de l’entrelacement des différents concepts qui permet son actuel renouvellement tout en s’ancrant dans une démarche de création contemporaine qui dépasse les formes de son engagement. Ainsi, en faisant appel à des expériences brésiliennes, irakiennes, nord-américaines, anglaises, portugaises, françaises, italiennes, algériennes, mexicaines, allemandes, grecques antiques ou encore d’Afrique noire francophone et anglophone, ce recueil prend la dimension de l’actualité du théâtre politique. D’ailleurs, le DVD qui accompagne cet ouvrage présente six performances contemporaines de théâtre politique et permet d’envisager l’extrême vivacité de ce théâtre en friction permanente avec un monde en mouvement.

CIMArtS

Les projets de l’équipe de recherche « CIMArtS », portant à la fois sur le théâtre, la danse et la musique se structurent autour de deux axes de réflexion principaux :

– Le premier implique une réflexion sur la nature plurielle et pluridisciplinaire de l’expression scénique. L’équipe entend interroger l’œuvre représentée sur scène dans la pluralité et le croisement de ses composantes en s’appuyant sur des chercheurs venant d’horizons divers – arts du spectacle, anthropologie, littérature, littérature comparée, musicologie, philosophie. Longtemps, on le sait, en Occident, le théâtre a été ramené à son texte. De même, l’opéra, malgré sa pluralité intrinsèque, est devenu l’objet d’étude privilégié de la musicologie. Le ballet lui-même s’est longtemps trouvé écartelé entre différents champs disciplinaires sans être pensé dans sa spécificité. L’équipe entend entreprendre une réflexion épistémologique et méthodologique sur la notion d’intermodalité entre les arts qui doit simultanément prendre en compte les spécificités de chacun. En ce sens, elle souhaite accorder une place essentielle aux œuvres associant différentes expressions artistiques :
* Géographiquement, outre l’Europe, elle se veut ouverte sur les théâtres d’Asie, d’Afrique et d’Amérique latine
* Historiquement, plus qu’à la seule forme reconnue de l’opéra, elle s’intéresse à toutes les formes d’expression scénique qui associent les arts. La période qui va de la comédie-ballet de Molière et Lully aux dernières œuvres lyriques de Rameau, en passant par la pastorale, la tragédie en machines, la tragédie ballet, la tragédie lyrique, la pastorale héroïque, l’opéra-ballet, la comédie lyrique, constitue une première période phare dans la réalisation d’un « spectacle total » qui est la spécificité de l’opéra français. La seconde période porte sur la postérité du modèle wagnérien de l’œuvre d’art totale, repensé, réinterprété et détourné par les compositeurs français au tournant des XIXe et XXe siècle – Massenet, Debussy, Ravel – avant de trouver, à la fois contre et tout contre Wagner, des réinvestissements dans les multiples collaborations entre écrivains, plasticiens et musiciens qui fleurissent sous l’égide des Ballets russes, des Ballets suédois ou des spectacles d’Ida Rubinstein. La troisième période concerne les spectacles contemporains qui, depuis les années 60 et de manière ostentatoire aujourd’hui, réalisent particulièrement ce mouvement d’échange et de rencontre entre les arts et entre les cultures. Ce phénomène d’hybridation à l’œuvre dans les écritures scéniques contemporaines fait alors apparaître des formes scéniques mixtes où se croisent, en matières comme en procédés, les ressorts de tous les arts traditionnellement associés à un médium particulier, ce jusqu’à remettre en cause, non pas tant leurs spécificités, que leur cloisonnement. Ainsi, il paraît important d’interroger ce phénomène d’intermodalité dans les écritures scénique qui apparaît sous des appellations diverses (théâtre musical, spectacle multimédia, théâtre-danse, théâtre technologique, théâtre musical, théâtre-danse, art performance, nouveau cirque, installation-théâtre, cabaret technologique, etc.) aussi bien des points de vue esthétiques, culturelles, politiques que sur le plan de leurs valeurs épistémologiques pour la recherche en arts.

– le second s’interroge sur les notions de mémoire, traces, transmission, création et recréation dans les arts du spectacle. Envisagés prioritairement dans leur réalisation scénique qui constitue leur finalité, les arts du spectacle sont, par nature, éphémères : une même série de représentations constitue, chaque jour, avec son public sans cesse changeant, une nouvelle aventure. La notion de « performance » développée dans les arts du spectacle après la Seconde Guerre mondiale devient d’ailleurs aujourd’hui l’objet d’une revendication quasi-constante. Face à cette singularité absolue de l’événement scénique, on peut envisager tout ce qui a servi à le constituer – texte théâtral, partition… – tout ce qui l’a accompagné – programme, captation…. – tout ce qui l’a suivi – textes critiques, témoignages… – comme des traces autour d’un événement toujours absent : vision assurément frustrante, et en même temps singulièrement exaltante quand elle oblige à penser la transmission dans les arts du spectacle comme une aventure perpétuelle, faite de continuités et de ruptures, ce dont témoigne la redécouverte des répertoires théâtraux, chorégraphiques et musicaux, où la recréation se fait indissolublement création, interrogeant aussi bien le passé que le présent. Danse, musique et théâtre sont au cœur de ces problématiques qui engagent en même temps notre rapport au temps et à l’Histoire. La notion de traces oblige également à s’interroger sur les passerelles d’un mode d’expression à un autre : comment des mots peuvent-ils dire le geste ? comment une notation graphique peut-elle noter la musique ? comment un film peut-il conserver la mémoire d’une danse ? Ces questions, liées à l’intermodalité, induisent en particulier des problématiques poétiques, esthétiques, anthropologiques et politiques.

ARTS DU SPECTACLE IDENTITÉS MÉTISSES, Françoise Quillet

Françoise Quillet (dir.), ARTS DU SPECTACLE IDENTITÉS MÉTISSES

L’Harmattan, Collection : Univers théâtral

Voici rassemblées des études qui présentent les arts du spectacle d’Indonésie, d’Inde, de Chine, de Taïwan,
du Japon, du Brésil, du Pérou et d’Europe. A l’intérieur de chacune de ces cultures, les arts observés ici
répondent à des caractères multiples, par la diversité de leurs langages, par les tensions entre tradition,
classicisme et modernité mises en oeuvre comme par celles installées entre les cultures locales et la
mondialisation. Aujourd’hui, la notion d’identité se crée, se perd, se retrouve métamorphosée dans le jeu des
créations multiculturelles. On ne saurait croire à la transparence de cette notion ainsi qu’à la neutralité de son
usage, dès lors qu’on considère son utilisation politique. Le mot s’autorise non d’une nécessité mais d’une
commodité, relève moins de la raison que de la production.
Plus que d’identité des arts, il est souhaitable de parler de diversité. On passera ainsi d’une stérile défense
de l’identité culturelle à la fécondité née du dialogue des cultures. Cette fécondité produira des conditions
d’une reconsidération de l’identité humaine, alors que l’ère du numérique pose la question « de l’orientation de
l’art et de l’espèce humaine ».

SOMMAIRE
Françoise Quillet, Préface
L’INDONÉSIE, L’INDE
Catherine Basset, Des références indiennes dans le théâtre de Bali. Pouvoir des lettres, du verbe et de la forme dans les
traditions scéniques indo-javanaises
Marjorie Moreau, Construction et processus d’une tradition : le Kathakali contemporain
TAIWAN, LA CHINE
Chiu Fang-Hsuan, Gezai Xi, la construction d’un art identitaire à Taiwan
Roger Darrobers, Sept pièces traditionnelles chinoises à Paris : note sur la « Quatrième édition du Festival des opéras
traditionnels chinois »
Françoise Quillet, En attendant Godot en opéra de Pékin, une création de Wu Hsing Kuo
Ling-Ling SHEU, avec la collaboration de Pao-Shan MA, Ionesco à Taiwan : entre deux Chaises
LE JAPON
Hayashi Masakazu, L’identité en question dans le théâtre moderne japonais, des années 1910 aux années 1970
Ziad Kreidy, La polysémie dans la pensée de Tôru Takemitsu
Philippe Brunet, L’acteur qui marche : une passerelle entre la tragédie grecque et le nô
LE BRÉSIL, LE PÉROU
Héliane Kohler, Théâtre et anthropophagie culturelle au Brésil, une esthétique dialogique de l’hétérogénéité identitaire
Suzanne Lapstun, L’esclave affranchi : danse, masque et identité au Pérou
L’EUROPE
Géraldine Gaudefroy-Demombynes, Modalités du chant dans la tragédie lyrique au XVIIe siècle : l’exemple de
Didon (1693) de Henry Desmarest et Madame de Saintonge.
Franck Catherine dit Duchemin, Petite méditation sur l’identité en musique avec Beethoven, Haydn et quelques
autres
Karine Bénac-Giroux, La Surprise de la haine, de Louis de Boissy (1694-1758) : dissemblance des caractères ou
triomphe de la subjectivité féminine ?
Miguel Almiron, Corps et Identité à l’ère du numérique
Jean-Marc Quillet, Art ? Identité ? Poètes ! Vos papiers !

LE THÉÂTRE S’ÉCRIT AUSSI EN ASIE, Françoise Quillet

Françoise Quillet, LE THÉÂTRE S’ÉCRIT AUSSI EN ASIE

L’Harmattan, Collection : Univers théâtral

Les études consacrées aux théâtres classiques d’Asie concernent souvent leur dimension scénique. Rares
sont celles qui s’intéressent au poème dramatique. Pourtant ces théâtres n’ont jamais fait l’économie du
texte. La Fleur bénéfique de Saugandhikam (Inde), Le Pavillon aux pivoines (Chine) et Matsukaze (Japon) sont
des exemples éminents des noces intimes qui s’opèrent en Asie entre scène et texte.
L’analyse de ces trois pièces fait découvrir des théâtres qui ne sont pas passés par le pli de la pensée
aristotélicienne et classique occidentale. Le présent travail, par les relations qu’il observe entre texte et scène, à
travers la musique et la danse, apporte sa contribution à nos connaissances des théâtres classiques d’Asie mais
nourrit aussi, plus largement, notre réflexion sur la fabrique du théâtre. Nul doute que cette étude soit
dynamique et fertile pour qui s’intéresse au théâtre contemporain.

SOMMAIRE :

AVANT PROPOS
INTRODUCTION GENERALE
PREMIERE PARTIE : LA FLEUR BENEFIQUE
DE SAUGANDHIKAM
CHAPITRE I : CONTEXTE DE LA FLEUR
BENEFIQUE DE SAUGANDHIKAM
A – Du mythe indien du théâtre à la naissance du kathakaḷi
B – Les éditions indiennes des pièces de kathakaḷi
C – Les traductions
CHAPITRE II : UNE FORME DRAMATISEE DE
L’EPOPEE
A – Le paratexte
B – La fable
C – L’intrigue
CHAPITRE III : LA STRUCTURE
Tableau n°1 : déroulement d’une représentation de
kathakaḷi
A – L’organisation du texte
Tableau n°2 : les différentes « scènes »
B – Les śloka et les padam
Tableau n°3 : répartition des śloka et des padam dans La
Fleur bénéfique
Tableau n°4 : la répartition des différents mètres (vtta)
Tableau n°5 : les différents mètres et leur fréquence
Tableau n°6 : la répartition des rāga dans La Fleur bénéfique
Tableau n°7 : la répartition des tāla dans La Fleur bénéfique
CONCLUSION
Illustration n°1
DEUXIEME PARTIE : LE PAVILLON AUX
PIVOINES
CHAPITRE I : CONTEXTE DU PAVILLON AUX
PIVOINES
A – De l’histoire de l’opéra chinois à la naissance du chuanqi

B – Les éditions chinoises du Pavillon aux pivoines

C – Les traductions
CHAPITRE II : UNE FORME DRAMATISEE DU
CONTE
A – Le paratexte
B – La Fable
C – L’intrigue
CHAPITRE III : LA STRUCTURE
A – La distribution du texte
B – La structure d’un chu
CONCLUSION
Illustration n°2
TROISIEME PARTIE : MATSUKAZE
CHAPITRE I : CONTEXTE DE MATSUKAZE
A – Du mythe japonais du théâtre à la naissance du nô
B – Les pièces de nô
C – Dramaturgie et poétique du nô dans les Traités de Zeam
B – Les éditions japonaises des pièces de Nô
C – Les traductions
CHAPITRE II : UNE FORME DRAMATISEE DU
POEME
A – Le paratexte
B – La Fable
C – L’intrigue
CHAPITRE III : LA STRUCTURE
A – La distribution du texte
B – La structure de Matsukaze : le jo-ha-kyû
Illustration n°3 : une écriture de l’espace
CONCLUSION
Illustration n°4
CONCLUSION GENERALE
BIBLIOGRAPHIE SELECTIVE
GLOSSAIRE

 

L’OPÉRA CHINOIS CONTEMPORAIN ET LE THÉÂTRE OCCIDENTAL, Entretiens avec Wu Hsing-Kuo. Françoise Quillet

Françoise QUILLET, L’OPÉRA CHINOIS CONTEMPORAIN ET LE THÉÂTRE OCCIDENTAL, Entretiens avec Wu Hsing-Kuo

Si l’on cherche des renseignements sur Internet, Wu Hsing-Kuo est mentionné comme un célèbre acteur
de cinéma qui a joué aux cotés de Jacky Chan et de Gong Li. Mais cet ouvrage s’intéresse non à l’acteur mais à
l’homme de théâtre qui dit préférer le théâtre au cinéma même s’il lui faut gagner moins et travailler davantage.
Les entretiens rapportés ici sont le témoignage vivant d’une aventure théâtrale unique dans laquelle s’établit
la fusion du théâtre chinois et du théâtre occidental à travers l’adaptation de pièces shakespeariennes, de
tragédies grecques, du théâtre de Beckett et de l’oeuvre de Tchékhov.
Comment être à la fois fidèle à la forme artistique de l’opéra de Pékin et vouloir être le moteur du
renouvellement de ses formes ? Wu Hsing-Kuo, un des grands réformateurs non seulement de la scène
chinoise mais de la scène internationale, immense acteur, homme de théâtre exceptionnel donne ici ses
réponses.

SOMMAIRE
Remerciements
PRÉFACE
L’APPRENTI
L’Académie Nationale des Arts Dramatiques de Fu-Hsing, [復興劇校], 1965-1973
L’Université de la Culture Chinoise, [中國文化大學], 1973-1977
La Cloud Gate Dance Company, [雲門舞集], 1974-1979
Le Maître, 1979-1984.
LE CRÉATEUR
Le Théâtre de La Légende Contemporaine, Contemporary Legend Theater [當代傳奇劇場], 1986
Les Adaptations de pièces de Shakespeare
Le Royaume du désir, [慾望城國], adaptation de Macbeth, 1986
Guerre et éternité, [王子復仇記], adaptation de Hamlet, 1990
Le Roi Lear, [李爾在此], 2001
La Tempête, [暴風雨], 2004
Bilan
Les Adaptations de tragédies grecques
Lolannu, [樓蘭女], une adaptation de Médée d’Euripide, 1993
L’adaptation de L’Orestie d’Eschyle, [奧瑞斯提亞], 1995
L’adaptation de En Attendant Godot de Samuel Beckett, [等待果陀], 2005
L’âge d’or – La Légende de Tchékhov, [歡樂時光 -契科夫傳奇] une adaptation de nouvelles de
Tchékhov, 2010
CONCLUSION
Chronologie du Contemporary Legend Theater
Bibliographie et filmographie

L’Harmattan, Collection : Univers Théâtral